Il y a deux arguments, valables artistiquement et basés sur l’histoire de l’art et la philosophie, qu’on peut et qu’on doit avancer ici. Je commence par le plus radical.
1. Le fan art comme rébellion punk rock.
Réfléchissez logiquement. Si les corporations ne sont pas des personnes — et la plupart d’entre vous seront d’accord avec moi là-dessus — alors elles n’ont aucun droit moral EN TANT que personnes. Par conséquent, il n’y a aucune raison de respecter leurs droits comme on respecterait ceux d’un être humain. Ça veut dire, concrètement, que tout ce qu’une corporation crée est libre de droit. C’est ce que je répète sans cesse. On s’en fout des corpos, on s’en fout de la bourgeoisie et de leurs idées foireuses sur le plagiat et l’art.
Le fan art comme appropriation
2. Le fan art comme art d’appropriation.
La plupart des artistes contemporains, surtout les plus jeunes qui n’ont pas été très exposés aux beaux-arts, ne comprennent pas ce qu’est l’art d’appropriation, ni ses règles établies de longue date.
Alors, on décortique. Le premier endroit où regarder, ce sont des artistes comme Andy Warhol, Hannah Höch et Lichtenstein, qui se sont tous spécialisés dans différents types d’art d’appropriation parfaitement valables.
Warhol utilisait des photographies et des objets du quotidien pour faire des sérigraphies et des peintures au tracé. Pensez au mur de Marilyn Monroe ou aux boîtes de soupe Campbell. La clé ici, c’est la recontextualisation et la déconstruction postmoderne.
La question, c’est la recontextualisation. Comment prendre un objet, ou une image qui existe déjà, et lui insuffler une vie et un contexte nouveaux ? C’est crucial, parce qu’en matière d’art d’appropriation, le contexte fait tout. Je reviendrai là-dessus.
Ensuite, on a Hannah Höch, probablement l’artiste de collage la plus influente du 20e siècle. Elle a pratiquement inventé le collage moderne et le collage punk dans les années 1920, dans le cadre de sa campagne pour illustrer le dégoût dadaïste face à l’état de la communauté artistique et du monde.
Elle était putain de brillante. Ses matériaux étaient des coupures de journaux et de magazines, mettant souvent en scène des figures publiques repositionnées dans des situations et des circonstances bizarres, et souvent embarrassantes. Le piquant de la chose s’est perdu aujourd’hui, mais disons simplement que les gens au pouvoir n’étaient pas ravis.
Son art tendait vers un mélange de banal et d’exotique, avec souvent de la nudité et des combinaisons étranges de personnages et de décors. Mais c’était assez intentionnel pour faire passer un message sur le monde, et c’est ça qui compte.
Il faut aussi noter qu’Hannah était membre de Dada Berlin, qui était plus engagé politiquement que Dada Zurich, même si le dadaïsme, comme tout art, est politique, qu’on le veuille ou non.
Contrairement à Dada Zurich, qui se voyait comme un élément éternel de la condition humaine — comme Tristan Tzara en a parlé dans cinq de ses essais et la moitié d’une conférence — Dada Berlin se voyait comme le reflet d’un moment précis. Soi-disant. J’ai une interprétation créative du manifeste qui dit le contraire. Mais bon, c’est le consensus historique.
Quel rapport avec le fan art ? Ne vous inquiétez pas, on y arrive.
Contexte, ironie et fan art
Ensuite, il y a Lichtenstein. Comme Warhol, Lichtenstein était un artiste influent dans l’espace du pop art. Il a fait une série d’œuvres basées sur des cases de BD. C’était scandaleux à l’époque pour plusieurs raisons. D’abord parce qu’il ne les changeait pas : il se contentait essentiellement de les agrandir, en n’apportant que des modifications mineures et en les vidant de leur contexte. Le simple fait de les placer dans des galeries suffisait, légalement et moralement, pour que ce soit considéré comme du « nouvel » art.
Ces trois artistes ont utilisé des œuvres protégées par le droit d’auteur et des marques déposées de façon inédite, mais ce qui a évité que ce soit considéré comme du « plagiat » dans chaque cas, c’est le contexte.
Maintenant, parlons du fan art. Se contenter de dessiner Optimus Prime ou Pikachu ne suffit peut-être pas pour qu’une œuvre soit considérée comme de l’art d’appropriation. Mais dès l’instant où vous les shippez tous les deux... là, mon ami, on a de l’art d’appropriation.
Je pense que le shipper art est en fait la forme de fan art la plus parfaitement parfaite qui soit, et j’ai une admiration immense pour ça.
Mais en général, si vous pouvez soutenir l’argument — même s’il est bancal — que vous avez changé le contexte, n’importe quelle pièce de fan art passe d’une violation pure et simple du copyright à de l’art plastique, et ça, je soutiens.
En pratique, je pense que la clé de tout ça, c’est l’ironie.
J’espère que ça dissipe la confusion.